【藝點·聚焦美院畢業季】
作者：陳抱陽（中央美術學院實驗藝術與科技藝術學院教師）
一年一度的美院畢業季如約而至，漫步在展館之中，似乎感受到一股蓬勃的“新技術風潮”：AI圖像生成，機械臂動作設計，融合傳感器與機器人系統的互動裝置……這些作品不僅橫跨平面、實體機械結構以及虛擬/混合現實等多種形式，而且在與觀眾的關係方面也不再局限於“靜態觀看”，而是出現了各類交互——有的需要觀眾通過語言、動作或觸摸來觸發作品的實時反饋，有的則通過環境傳感器捕捉觀眾行為、現場燈光、溫度濕度或社會文化信息，動態地改變作品的呈現方式。
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來自外界的質疑
新技術的介入讓創作者們有機會超越傳統的創作邊界，在科技與藝術的交融之中不斷探索，創作出更多具有突破性的作品和項目。在這個過程中所產生的多元互動方式，也讓觀眾從“被動的看客”轉而更多地主動參與其中，甚至直接介入並成為作品的一部分。
然而，在這股技術與藝術相互碰撞的熱潮中，外界也出現了對畢業作品的諸多質疑，例如觀眾常常看到風格相似的AI生成類圖像，或是機械裝置大同小異的作品，有些作品被認為“看不懂”，也有人批評它們“同質化”“離生活太遠”……在一些作品的表現中，技術彷彿只是噱頭，尚未真正與藝術理念相互成就。
比如，有些作品嘗試融合計算機視覺與實時影像處理技術，通過攝像頭捕捉觀眾的動作並生成五彩斑斕的AI圖像，這一做法雖然在視覺上頗具衝擊力，但也容易導致觀眾在面對作品時感到困惑，不知道如何與作品互動，甚至無法判斷眼前所見是藝術家的精心安排，還是作品出現了故障。再如，一些機械裝置作品會根據觀眾腳步聲變換顏色和音效，但作品本身並未通過視覺呈現引導和闡明為何要聚焦“腳步聲”或“環境噪聲”，也沒有與現實議題產生具體關聯。這樣的作品雖然外觀新穎，但或許也讓觀眾“看過就忘”，因為它們缺乏明確的社會或人文觀照，一旦離開熱鬧的畢業展場合，便難以與真實的社會生活建立持久的對話。
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新問題與新可能
近年來畢業展作品中透露出的問題，背後其實有着幾方面原因在共同作用。首先，由於學生對底層算法、傳感器原理與互動機制的理解深度不足，很多時候只能在工具層面進行簡單調用，導致作品之間雷同度高，難以讓人真正體會到藝術內核。其次，一些作品只是停留在工具堆砌或形式堆疊上，而沒有形成對社會與人文議題的深度關注，往往呈現出“炫技卻缺乏靈魂”的尷尬。最後，部分作品在陳述方式上過於依賴專業術語、智能模塊或現成部件，而忽略了對公眾視角的考量，導致觀眾既無法從作品標題或現場說明中獲得清晰脈絡，又在體驗過程中缺乏明確的互動指引，自然就產生了“看不懂”或“與我無關”的觀感。
青年創作者的藝術探索，一方面展現了他們對新技術的好奇與熱情，另一方面也反映出藝術教育與時代發展的碰撞和陣痛。其實，這些與技術相結合的當代藝術創作往往更需要藝術家具有綜合素養，既要懂得編程與交互設計的原理，也要具備對技術的思辨能力，而這對於大多數尚在學習階段的藝術專業學生而言是比較難的，需要合適的教學體系去培養和支撐。同時，學生若缺乏藝術思維與人文關懷的訓練，也會在創作中面臨表達不足、概念空洞等問題，無形中加深人們對美院作品“像科技產品而非藝術品”的印象，削弱畢業作品的社會價值。
事實上，科技不僅是一種創作手段，它更像是藝術家的“合作者”。新技術的融入為藝術創作帶來了更多可能，藝術家不再只是直接塑造作品的全部細節，而往往通過設定初始規則和整體世界觀，讓機器或算法在一定範圍內“自發”運行，進而產生不可預設的“湧現行為”。這些行為來自大量簡單單元彼此交互所累積的複雜效應，使作品呈現出動態、多樣的表演形式。在這一模式下，藝術家更像一位導演或編劇，需要平衡自身的“作者性”與“機器能動性”，既要維持對核心概念的把控，又要保留機器和算法所帶來的隨機意外或驚喜。如果過度放任，作品可能會偏離原本的立意；但如果全面壓制，技術與藝術的創造力又難以真正釋放。真正成熟的創作者會通過對系統參數和互動規則的微調，讓人機協同不斷演化，從而向觀眾動態地傳遞理念，讓觀眾既感受到藝術家對作品的思考深度，也能與機器的自主行為實時互動，共同參與到這一生動的藝術“演出”之中。
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藝術教育的下一步
在這種背景下，高校藝術教育亟待進行系統化的課程改革與教學實踐探索。首先，應當建立分層次的技術教學體系。讓學生先通過工作坊或演示課快速掌握常見的工具與技術操作方法，隨後在更加深入的課程中逐步理解底層算法、硬件原理以及交互設計的核心理念。這種循序漸進的教學方式，不僅能解答“如何用技術”的疑問，還能啟發學生思考“為什麼要這樣用”，繼而讓他們在創作中實現更具個性的表達。如開設“人機交互實驗”工作坊，讓低年級學生先學習基礎傳感器與編程操作，高年級再針對大型裝置、AI算法、沉浸式空間等主題進行深度探討。其次，院校應積極推動跨專業協作，邀請計算機、電子工程、交互設計等領域的教師與助教加入藝術教學團隊，使不同背景的學生有機會在真實項目中共同學習和探討，從而弱化各專業間的認知差異。
與此同時，觀眾體驗也應納入藝術教育的核心內容。學生需要在創作階段就考慮到展場環境、互動指示以及作品的閱讀友好度，並反覆通過測試與反饋來調整作品概念或技術細節。簡單地增加體感設備或聲音傳感器，並不一定能令觀眾“沉浸”其中；創作者只有深刻理解人機交互的心理機制以及觀眾的行為模式，才能讓作品在公共空間里真正活躍起來。例如，一些藉助手機App進行多重操作的互動裝置，需要觀眾掃描二維碼後才可進入體驗，可由於下載流程過於複雜，觀眾紛紛放棄，也就錯失了核心的互動流程。這種情況下，如果增設平板端的演示設備，並用動畫短片向觀眾示範操作，就能有效提升作品的可參與度和被理解度。創作者應該給觀眾提供充分而明晰的作品說明，做好觀眾引導工作，也要能夠在面對真實觀眾的提問與質疑時清晰地梳理藝術理念，並在互動中不斷修正創作思路。
從長期看，要讓藝術教育真正與時代需求接軌，不能只寄希望於幾次技術培訓。更有效的方式是，通過項目制或工作室制的教學模式，讓學生在較長的創作周期里持續跟進、反思并迭代作品，在與不同專業、不同領域的導師和同學協作時不斷磨合、碰撞。多維度的評價方式同樣不可或缺：作品在畢業季上獲得高關注度固然重要，但對作品技術深度、社會關懷、觀眾互動體驗等多方面的考核，也應當被納入正式的評判體系中。有的院校就採用了“導師組聯合評審”的辦法，由藝術、工程、人文等不同背景的評委分別打分，為學生畢業創作提供多角度的反饋。
畢業季既是青年藝術家展示才華的重要舞台，也是社會各界評判與討論藝術教育現狀的窗口。唯有在教育環節建立更科學的知識框架與跨學科合作機制，引導學生將對社會、文化與倫理的思考貫穿於創作，才有望在畢業季迎來更多兼具觀賞性與思想深度的作品，讓藝術與技術實現真正的雙向奔赴。
《光明日報》（2025年05月25日 12版）
來源： 光明網-《光明日報》
