《摄影机不要停！》于2018年6月23日在日本上映，次年拿到了日本电影学院奖的最佳剪辑。票房方面，在开局不利的情况下，影片凭着好口碑完成逆袭，最终取得30亿日元票房，在当时大概相当于1.8亿人民币，对一部小成本制作来说相当不错。
本片导演、编剧和剪辑都是上田慎一郎，仅从观众评价的角度看来，《摄影机不要停！》有点像他昙花一现的作品，之后他虽然制作了续集，但已经后劲不足。
除了真人电影他也拍动画番剧，比如《one room》的第二季，我有个朋友说是绅士必看，这个我就不大清楚了。
本片有一个长达37分钟的长镜头，这段一镜到底并非像正片里交代的那样，由山口友和扮演的摄影师来掌镜，而是由一个叫曾根刚的摄影师拍摄完成，片尾花絮里可以看到他的身影，拍摄期间还抽空喝了口水。
据说这段戏一共拍了6次，成功完成的有4次，而导演最终采用了最后一次拍摄。
由于是小成本制作，本片的演员都不是很出名，而且好多角色名与演员的本名相当接近，只是稍作修改而已。
扮演导演日暮隆之的是滨津隆之，就是长得有点像大胡子版姜文的那个。这片火了之后，他在2020年主演了美食番《绝味之路》。话说回来，“日暮隆之”这个名字还挺适合这个角色，中年导演眼看着职业生涯已呈日暮之势，最后“隆”了一把。
扮演丧尸片的女主角松本逢花的是秋山柚稀，2020年主演了三段式电影《COMPLY+-ANCE 》，反响平平。
扮演丧尸片的男主角神谷和明的是长屋和彰，2011年主演了由岩井俊二担任制片的短片《FUKUSHIMA DAY》，讲的是福岛核辐射题材。
其他演员要么是经常在日剧里演配角，要么就是只演过本片及其续集，这里就不一一介绍了。
前方剧透
《摄影机不要停！》分为三部分，第一部分是37分钟一镜到底的成片，第二部分是这个项目的筹备过程，第三部分则是拍摄的过程。硬要算的话，也可以把片尾的花絮当成是第四部分，这是一个套娃式的真实拍摄过程。
影片最大的创意点，也是最重要的喜剧构成部分，就是前面呈现的成片里，有各种莫名其妙的剧情，还有一些一看就是知道烂片的设置，这些都在后面到的筹备阶段以及最后的拍摄过程中得到解释。
另外则是一些成片中乍一看没啥特别的细节，背后其实包含着观众意想不到的原因。比如导演骂偶像演员松本逢花演戏没有真情实感，因为她的人生都是虚假的。
这是导演自己加的台词，在前期的接触中，导演发现她说话句句都是场面话，明明自己不想演被喷脸的戏，说成是经纪公司不允许。各种“麻烦了”“辛苦了”之类的话已经驾轻就熟，甚至说出来都有些机械化了。
最机械化的是滴眼药水演哭戏，明明在拍摄的时候被导演即兴发挥说出的心里话骂哭了，还是要走一个上眼药水的流程才能演下去。
此外还有那个莫名其妙冲出门外的录音师，其实是喝了身体不适应的水拉肚子。而那个演摄影师的大叔，在成片中最能体现丧尸状态，原因是他喝醉酒，呕吐也是自然爆发的。
被吐的助导小哥，之所以那么激动，是因为他有洁癖，在第二部分的剧本阅读会上他刚出场时手里拿着一条手帕，可以体现这一人设。
这位助导小哥“断手”后，一进屋就往神谷和明身上扑，在成片中乍一看觉得没什么，看完第二部分，才知道他希望自己本就不多的戏份不要被删掉，而神谷和明是出镜保障，所以他一上场就往主角身上贴。
从第一部分的成片跳到筹备以及拍摄的全过程，一下子就把第一部分给解构了，这种解构带来一种天然的喜剧效果，让第一部分那些本来狗血的、无聊的、不合逻辑的情节，瞬间变成加分的笑点。
这些失误很多都能看出是事先设计好的，还有一些甚至看不大出来是不是故意为之，比如化妆师聊起关于丧尸的传言时，门外忽然发出声响，摄影机赶紧转过去拍门，这里墙上的摄影师的影子已经穿帮了。
如果是故意设计影子穿帮，按照剧情那个新手是一直跟着摄影师的，所以这里应该有两个人，但目前墙上依稀看到只有一个影子，那是因为现场拍摄这个长镜头的只有一个摄影师，所以这里是不是设计好的就存疑了。
无论是真失误还是假失误，在影片后半部分喜剧氛围的加持下，前面的粗糙就自动被“原谅”了。
这是喜剧的天然优势，相比之下，同样拥有一个超长镜头的《路边野餐》，失误就真的成为扣分项，比如长镜头中郭月下船的段落，镜头忽然往右边飘了一下，然后迅速回到人物身上，可能是当时摄影师差点摔跤造成的拍摄效果，这无疑是一个缺陷之处。
当然《路边野餐》也具有它耐看的地方，这里就不展开了。
整体来说，《摄影机不要停！》的第二和第三部分，是对第一部分长镜头的解构，片尾的花絮，又是对正片的一次解构，这是花絮中的花絮，套娃中的套娃。
除了结构套娃，影片在人物设定上，也使用了套娃的方法。这就要说到片中的导演日暮隆之和他的女儿日暮真央。
日暮隆之的宣传词是“速度快，成本低，品质还可以”，一听就是不追求高品质的三流导演，他拍片的时候也经常让演员滴眼药水蒙混过关。
不过他并非刚入行就是这个样子，那他入行时应该是什么样呢？
就是他的女儿日暮真央这样，认为哭戏就要哭出来，不能滴眼药水，她几次出场，穿的T恤分别是阿尔帕·西诺的《疤面煞星》，罗伯特·德尼罗的《出租车司机》，杰克·尼科尔森的《闪灵》，都是影史经典。这是她的目标，她认为拍戏就是战场，必须认真对待。
拍摄过程中因为录音师突然拉肚子使得剧情进行不下去，大家准备停播，日暮真央忽然接过指挥棒，使得拍摄能够继续进行。这里她跳掉了原来穿的普通衣服，换上了印着电影名字的T恤，代表她要像制作经典那样，认真对待今天的拍摄。
当最后一场戏因为摇臂摔坏无法拍摄时，制片要日暮隆之删掉这场戏，导演瞬间爆发出内心真实的想法，说观众是会知道的。
这里女儿向他投去了不一样的目光。她小时候曾骑在爸爸肩上，拿着摄影机乱拍，那时的爸爸是个认真对待拍摄的爸爸，是她崇拜的对象。
演摄影师的演员跟日暮隆之说过，他很想成为令女儿骄傲的父亲，日暮隆之曾经是这样的父亲，但之后经过社会的毒打，混成了老油条，女儿不再崇拜爸爸，所以他才会对着以前的照片哭。不过影片这段情感表达还是单薄了点，缺乏感染力。
女儿现在粉的神谷和明，是个很认真较劲的人，剧本有逻辑问题就会让他很难接受，发现临时换演员的情况后，他马上提议终止拍摄，因为怕影响最后的效果。
他和松本逢花在丧尸片中的角色性格正好相反，丧尸片中女主是个非常努力演戏的人，而男主却一心想着拍完之后去女主家过夜。看到后来两人的真实性格，还真是讽刺。
不过在影片中，主创没有对这些饱含热情的年轻人展开全方位的称颂。神谷和明在剧本阅读会上强行解读出剧本在探讨种族问题，是比较装B的。
还有一种可能是他认为自己是个有追求的演员，拍的都必须是有追求的电影，因此才会强行造出一个“剧本很有深度”的假象来麻醉自己，好让心安理得地完成这次拍摄。
日暮真央一开始在片场要求演员不能滴眼药水，要真哭出来，而她的对象是一个小朋友，她甚至还尝试引导一个没有多少阅历的人去调动自己的人生经验来演戏，这是比较眼高手低的。
新手入行往往都过于理想化，而不顾现实情况，多数人经过现实打脸之后，就会变成日暮隆之这样。
拍电影就是一个会被各种现实情况阻碍的过程。即使忽略前期甲方的干涉和无理要求，单单是拍摄现场所发生的意外状况，都足以把一个人逼哭，就像片中演录音师的演员一边拉肚子一边化妆一边哭那样。
导演在片场主要的工作可能还未必是创作，而是做决定，在面对各种突发状况的时候做出决策，这样就必须不断地妥协。
有创作经验的人都知道，创作往往在下笔的那一刻，就离初衷渐行渐远。原本脑中想象的成品是非常完美的，但创作出来却有各种缺陷。只有偏执且有天赋的艺术家，才能呕心沥血地将作品变得尽善尽美。普通创作者多数是日暮隆之，得过且过。
在我个人看来，影片的第一部分，展示了一个普通创作者经过各种妥协后拍出来的一个残次品。第二部分以及第三部分的前半段，就像是主创说了一句：拍电影真特么难！
而最后的结尾，则是主创进一步说明：为什么这么难我还要拍？
影片最后一个意外状况就是摇臂摔坏，日暮真央通过小时候的照片获得灵感，想出了用叠罗汉代替摇臂的解决方法，这一段明显也指代他们找回了初心。
我们可以看到参与叠罗汉的，包括之前出现各种状况的演员，有主角神谷和明，还有曾经建议删掉这段戏的制片人，所有人在这一刻都已经不顾身份，只为了把最后一个镜头完成好，这是集体创作的最佳体验，是一种会让人非常上头的状态。
就连拍戏前有诸多保留的松本逢花，在进入到集体创作的状态后，也不由自主地变得积极起来，比如砍录音师的头那场戏，是她主动帮忙把头扔入画，后面砍导演的戏，她在不用滴眼药水的情况下直接哭了出来。这是整个特定的创作环境带给她的新体验。
在以往日本的影视作品中，经常能够看到他们非常沉浸于一种集体合力完成一件事的荣誉感，这大概也是日式集体意识下一种典型的成就感，不一定适用于各领域的创作者，但电影正好是需要集体创作的，所以和这种成就感非常契合。
有一说一，我个人看喜剧，比较偏好一黑就黑到底的黑色幽默，不大中意在其中加上煽情环节，这与一些综艺节目先用游戏搞笑，再通过吐苦水或卖惨来煽情如出一辙。
《摄影机不要停！》多少有点这样的倾向，这部分在我个人观感上有些许影响，但我也理解它之所以能受到许多人的喜爱，正是因为影片以比较低的姿态，说出了普通人所面对的现实矛盾，同时也挖出了在这些苦中可能存在的那一点乐。
